Peinture à l’huile 

Les formes ont été définies à l’aide de peinture solide ou de scories, qui sont des couches irrégulières et fines de pigment opaque qui peuvent donner une variété d’effets picturaux. Dans la dernière étape, des couches transparentes de couleur pure appelées émaux ont été utilisées pour donner de la luminosité, de la profondeur et de la brillance aux formes, et les reflets ont été définis avec des taches épaisses et texturées de peinture appelées impastos.
Les améliorations fondamentales dans le raffinage de l’huile de lin et la disponibilité des solvants volatils après 1400 ont coïncidé avec le besoin d’utiliser un autre support que la détrempe au jaune d’œuf pur pour répondre aux exigences changeantes de la Renaissance. Au début, les peintures à l’huile et les vernis étaient utilisés pour glacer les panneaux de tempera, peints avec leur dessin linéaire traditionnel. C’est ainsi, par exemple, qu’ont été réalisés les portraits du peintre flamand Jan van Eyck, peintre flamand du XVe siècle, d’une technique brillante et d’une grande beauté. Le mot « tempera » est tiré du latin qui signifie mélanger ou combiner. Tempérer signifie « mettre une poudre en pâte à l’aide d’un liquide liant pour en faire une peinture ».

Au XVIe siècle, la couleur à l’huile est apparue comme le matériau de base de la peinture à Venise. A la fin du siècle, les artistes vénitiens sont devenus compétents dans l’exploitation des caractéristiques fondamentales de la peinture à l’huile, notamment dans l’utilisation des couches successives d’émaux. La toile de lin, après une longue période de développement, a remplacé les panneaux de bois comme support le plus populaire.

L’un des maîtres de la technique de l’huile au XVIIe siècle fut Diego Velázquez, peintre espagnol de la tradition vénitienne, dont les coups de pinceaux très économiques mais instructifs ont souvent été imités, surtout dans le portrait. Le peintre flamand Peter Paul Rubens a influencé les peintres ultérieurs par la manière dont il a chargé ses couleurs claires, opaques, en juxtaposition avec des ombres et des ténèbres fines et transparentes.

Un troisième grand maître de la peinture à l’huile du XVIIe siècle fut le peintre hollandais Rembrandt van Rijn. Dans son travail, un seul coup de pinceau peut représenter efficacement la forme ; les traits cumulatifs donnent une grande profondeur texturale, combinant le brut et le lisse, l’épais et la fine. Un système de blancs chargés et d’ombres transparentes est encore amélioré par des effets émaillés, des mélanges et des impastos hautement contrôlés.

D’autres influences sur les techniques de la peinture de chevalet ultérieure sont les styles de peinture lisses, finement peints, délibérément planifiés et serrés. Un grand nombre d’œuvres admirées (par exemple celles de Johannes Vermeer) ont été exécutées avec des dégradés et des mélanges de tons lisses pour obtenir des formes subtilement modelées et des variations de couleurs délicates.

Les exigences techniques de certaines écoles de peinture moderne ne peuvent toutefois pas être satisfaites par les genres et techniques traditionnels, et certains peintres abstraits, et dans une certaine mesure les peintres contemporains de style traditionnel, expriment le besoin d’un écoulement ou d’une viscosité plastique entièrement différents de ceux que l’on peut obtenir avec la peinture à l’huile et ses additifs classiques. Quelques-uns exigent une plus grande variété d’applications épaisses et fines et un taux de séchage plus rapide.

Certains artistes mélangent des matériaux grossièrement granuleux avec leurs couleurs pour créer de nouvelles textures, d’autres utilisent des peintures à l’huile beaucoup plus épaisses qu’auparavant.